《音乐产业导论》第六课：演出产业
翻译：
0. @MoMo
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8. @MoMo
9. @八哥
校对：
@DK
@H Zhou
@八哥
@Giselle
0. Introduction
欢迎来到音乐产业的第六课也是最后一课。这一课主要讲现场演出。在音乐产业中，现场演出现在正逐渐成为大多数音乐人的主要收入来源。制作并执行一场充满感染力的现场演出是一种艺术形式，虽需要数年磨合但也能受益长久。但要成为一个出色的现场演出者，你首先得拥有某种无形的明星气质。在这一课中，我们会讨论到我的“it”理论。现场演出也是艺人保持同粉丝间持续的、忠实的关系的重要部分，同时还能在社交媒体上制造热门话题。最后，我们会讨论音乐人随行成员以及当地演出推广团队在一场成功表演中所扮演的角色.
1. It Factor “It”要素理论
我有个理论定律，称之为“It”定律。“It”意为“X要素”（X factor），要素其一是你本身的天赋才华，其二是得有吸引观众注意力的本事。有一档电视真人秀节目名为《X音素》（《The X Factor》），意在寻找本身有演唱才华的人，拥有尚未被发掘的潜质——X 要素，而这一潜质可以让选手成为一名真正的明星。所以我坚持认为，如果想要成为一个艺人，首先你必须拥有“It”要素，也就是你必须要有才华天赋。
我第一次意识到自己拥有的天赋，是在我管理“The Illusions”这样一支由四个高中生组成的合唱团组合的时候。当时，他们正在排练“诱惑乐队”(The Temptations)演唱的一首歌曲。这首歌的开头由诱惑乐队主唱 David Ruffin 来演唱，在开头，他用他那略带低沉的男中音娓娓道来，之后又在某个音上快速切换为假声。这一段棒极了。不过我的组合里挨个试了一圈，没人能唱好这一段，最后我说等等，让我试试看。大家没想到我一下子就唱成了。这就是我的“it”。当时其他成员看着我说，“John（就是咱John.Kellog老师——注），你不应该只是当个经纪人，加入我们组合吧！”于是后来我便成为了这个组合的一员。
现在重要的不单是觉得自己有“it”，更要好好利用好自己的“it”。下面是我如何利用自己的“it”的故事。那时候“The Illusions”在我们俄亥俄州克利夫兰市的家乡演出。我们去当地的娱乐中心演出，去参加高中学校的演出活动，接受本地组织的晚宴的演出邀请而且出场费我们一分不要。为了可以施展自己才华我们竭尽所能。之后我上了大学，跟宿舍里一玩吉他的室友组了个叫“The Decade”的乐队。记得当时我们还是大一新生，却有大概六个还是七个三年级生加入我们。因为我们是校园乐队，所以我们演出范围只是雪城大学校园内，即在联谊晚会和女学生的联谊活动上表演。虽然只是这种程度的演出，乐队中的大三大四的成员却觉得很满足。而我跟我那玩吉他的室友并不想止步于此，我们想在唱片业界取得真正意义上成功，于是当大三大四的成员们毕了业之后，我们俩决定重新建立一只乐队。
之后我们就真这么做了。这个乐队就是你们在前面课程中所看过的那张图片——The New Decade组合，而且我们不仅仅是合唱团体，是一支真正意义上的乐队。
我们录了些唱片，但我们知道，我们还要继续努力去施展自己——施展自己的“it”要素。我们是怎么做的呢？我们离开校园，去到当地的雪城俱乐部，在城市范围内演出。之后，演出发展到其他学校、其他的俱乐部、周边城市，我们的演出工作贯穿了整条90号州际公路，从水牛城到罗切斯特市、到奥尔巴尼市、尤蒂卡市，甚至是纽约市的俱乐部。
因为这样的发展，我们遇到了看过我们演出并想签下我们的演艺中介，最终签下了演出合约。之后，我们开始在美国北部，加拿大哈利法克斯、新斯科舍和多伦多等地演出。在这一过程中，我们建立了自己的人脉网络，并努力经营。因为这张人脉网，使我有机会与当时的“New York City Players”组合，现如今叫“Cameo”组合的队长Larry Blackmon相遇。当时我们一同在镇上表演，并且互相观看彼此的演出，从中学习并提高自己。
因为这样的人脉关系，并努力经营自己的“it”，于是当我搬到纽约市的时候，我第一个电话就先打给了New York City Player的队长Larry Blackmon，告诉他我想找一家全国知名的唱片公司去合作一张唱片。由于在之前两个乐队的努力和发展人脉关系的缘故，使我来到纽约的第一个晚上就得以开始在录音棚里录唱片的demo。一个月后，我实现了自己的目标。
所以，我要说的是，你必须拥有“it”要素；不仅要有“it”要素，更要努力去施展自己这方面的才华，这样你才会最终实现自己的目标。
2. IMPORTANCE OF A GREAT Live SHOW/The Fan-Engaging Show 一场好的现场演出的重要性/吸引粉丝的表演
现场演出是让粉丝保持忠诚，持续关注艺人最重要的方法。你可以创建一段 Youtube 视频，但是走到外面去，到路上，来一段现场演出，这对于巩固艺人和粉丝之间的关系大有裨益。Justin Biber 有很棒的 Youtube 视频。他的经纪人，Scooter Braun，仅仅看到视频就把他带到了亚特兰大。但他花了一些时间来发展、训练 Justin 进行吸引人的现场演出。想要一场吸引人的现场演出是需要时间的。不同的艺人采用多种办法来呈现某种娱乐环境，来确保当演出结束时，他将受到长时间的喝彩。如果你想做一个热门艺人的话，这就是你该奋斗的目标，而不是一种礼貌性的鼓掌。一些艺人采用好的制作来达到这一点。他们会走出舞台，他们会随着舞台被推出，就像 Beyonce 所在的真命天女（Destiny's Child）在某年超级碗所表演的那样。她们出来然后被射向空中，又同时落地。当然，表演到此时，她们赢得了长时间的喝彩。他们也可能引入并利用舞蹈艺术。他们可能使用舞蹈演员。许多艺人，如 Lady Gaga, Katy Perry, Justin Timberlake, 甚至 Kanye West 都有很棒的舞台展示，好的制作，他们知道那将会以一种特定的形式吸引粉丝，去激发他们想要的那种长时间的喝彩。
但你不是必须仅靠口哨和铃铛等雕虫小技才让你的粉丝为你鼓掌。有一些艺人，他们精湛的技巧和才华本身就足够吸引粉丝了。爵士巨人 McCoy Tyner 和伟大的 Wayne Shorter，或者歌唱家如 Adele，她只要站在舞台上，她声音的力量和她的嗓音就足以让粉丝沉醉，完全被表演呆住，在那一刻，呈现一场充满活力的现场演出。
现场演出艺术的发展和录音艺术一样，都需要大量的时间。在 Malcolm Gladwell 的书籍Outliers（《异类》）中，他提出了10000小时理论：在任何你想做的事情上面成为专家，你需要10000小时。这就是我为什么说你必须去做。现场地表演，你从人群中得到反应。有时那能够使你用一些方法即兴创作。你被观众给你的反馈激发灵感，所以有时你能做出很好的现场演出的举动。你曾经被什么动作所吸引，然后买了一张唱片，并真心喜欢上他们的现场演出吗？你听那张唱片，然后说，啊，这真都比不上我看过的那场演出啊。这就是为什么我说，它们是两种不同的艺术。为一场好的现场舞台表演可能要花上几年的时间。而成为一个好的录音棚歌手同样需要很多年。当你在录音室的时候，没人在那儿，你得不到反馈。
但是你必须练习，在一个封闭的录音室的环境中，试着传递给现场观众那样的情感，这就是一种需要时间修炼的艺术。许多艺人花费很多时间在录音上面，在现场演出方面却投入不足。我曾经和一位现场演出制作人聊天，他说曾经有一位客户邀请他将表演整合到一起。客户说，他们花了18个月录制专辑，但在现场演出上只花了两三天。这就本末倒置了。因为他们现场演出可以赚到8万到9万美金，而唱片大概只有1万美金。换句话说，90%的收入是从现场演出中获得的，只有10%来自唱片。所以我们必须认识到，你必须花时间来做吸引粉丝的，动感的现场演出。
我曾经和我的客户 The O’Jays 一起排练。The O'Jays 不仅是好的歌手，他们真的是一支能歌善舞的团队。他们唱歌，跳舞，表演，技艺精湛，还入选了摇滚名人堂（注1）。Walter Williams 和 Eddie Levert也是翘楚，我称他们为人声乐器演奏家。我的意思是，他们可以用各自的人声即兴创作出任何东西。除此之外，他们的观众还深深被编舞，同步的节拍，人声与舞蹈的结合所吸引。许多年前我去过他们的音乐会，观众都在随节拍回应着。人们喜爱这种表演，但不知道的是，这些整合进现场演出可能要上月甚至更多的时间。
他们会让编舞大师参与进来，比如 Cholly Atkins，你可以 Google 他。Cholly 以一段双人舞开始，这种双人舞叫做 Cole and Atkins。这是一种在上世纪40、50年代在美国剧院被广泛表演的踢踏舞形式，到50年代早期，表演者不再采用踢踏的形式。所以 Cholly 决定沿用这种技能，作为一个表演者，舞蹈家和艺人，他把声乐和舞蹈结合起来。他第一次合作的是一个叫 Cadillacs 的组合。随后，他们的作品在当时的 R&B 排行榜成为大热单曲，他为之编舞的演出让整个 R&B 世界疯狂。我所讲的这些也正是今日流行音乐的开始，把舞蹈和歌手在舞台上结合。大多数情况下是50和60年代的Cholly Atkins，4-5个人的人声组合。但今天你会看见 Katy Perry，Lady Gaga，Usher 和许多舞者在一起随音乐跳舞。Cholly Atkins 是这一切的开始。Cholly Atkins 同时还成为了 Motown 唱片的首席编舞，并编排了所有的 Motown 演出, 包括 the Miracles, the Four Tops, the Temptations 等等。他同样也为 The O'Jays 编舞多年，直到新世纪的第一个十年他去世。他真的是一位伟大的编舞。我记得我有一次回到我家乡克利夫兰，O’Jays 在那里有演出。Cholly 来到宾馆房间，他就像一位军官一样。不行，再做一遍。不行，再做。The O'Jays 后来把衬衫都脱掉了，他们汗流不止。每天有四五个小时，就这样重复练习着。现在，The O'Jays 依然在表演，这已经过去了50年。他们投入时间，去创造一场动感的表演，这样观众就知道，每次见到他们都会有同样水平的表演，同样激发观众的自发的感情。The O'Jays 知道这一点，他们的推广者也知道这一点。这就是他们为何能长青的原因。如果你也想要长时的，可持续的职业发展的话，你就要投入时间。记住，必须去做，投入时间，才能真正做到吸引粉丝，获得由衷的喝彩。
3. Social Media Show Promotion 社交媒体推广
我前面也有提到，录制唱片已不再是艺人赖以生存的面包了，而是一个抓粉丝注意力的饵。然后这一切都关系到现场演出。
对于一个艺人来说，现场演出的收入曾一度与录制唱片所获的预付款一样多，有时候甚至等同于版税净收入与预付款的总和。当然，由于现在唱片销量市场的整体下滑，来自于唱片销售这部分的收入降低了。但现场演出这部分的市场依然坚挺，且发展更好，特别是对于那些位于榜首的热门艺人来说。然而注意到这一趋势后，艺人还是要通过录制专辑来获得关注。当这个关注点被创造出来后，就要开始为现场演出造势，尽一切所能拉动更多粉丝。
如何做呢?重申一遍，不是自己做“DIY”，而是一起做“DIO”。即需要一个很好的团队，且其中每个人都各司其职，承担着非常重要的角色。
首先，经纪人（Manager）决定艺人要接什么样的演出；决定签下哪些合约才能把艺人 “提升到另一高度”；其次，演出推广专员（Live Show Promoter），从获取更多收入的方向制定推广计划；再次，演出经纪（Booking Agent），需要与多方沟通，广泛征求演出机会。市场部（Marketing Team），则需要深入各个社会化媒体来推广造势。
互联网创造了一个全新的推广平台，你可以通过推特(Twitter)和脸书(Facebook)，在演出前制造热点引起关注，比如针对演出上的设计引发一个话题讨论，如这场特别的演出为什么会选在这个特别的时间特别的地点等等（亦是国人俗称的炒作）。它能为一场成功的演出事先制造出那种特定的兴奋点，而不仅仅是在演出当天做一场成功的现场演出。
当你策划了一场很特别的演出，它就像一个平台一样，帮你制造了更多与粉丝互动的机会。对于当今的音乐产业来说，赚钱不是唯一目的，当然钱也很重要，毕竟巡演的花费不菲。但当你与粉丝建立起一种特殊的纽带时，你会发现粉丝会特别支持你，不但力挺你的演出，还支持你事业的所有。
这里我想分享一下 Amanda Palmer 的故事，她是位非常棒的艺人，也非常善于运用社交媒体。她曾通过在线募资网站Kickstarter筹得1百万美金。她常说这些都归功于她与粉丝建立的良好的关系。正因为这样长期的持久的关系，她能从各个方面获得粉丝的支持。
当她的现场演出计划出来时，她会发布推特消息问粉丝们：她马上要来这个城市，哪位粉丝能提供住处? 毕竟和所有其他艺人一样，他们需要控制巡演的预算支出。而粉丝们会蜂拥而至，立即回复“来吧，住我家吧！”而她真的会这么做，她会选择一位竭力支持她的粉丝，在巡演期间住进粉丝家去。那么，Amanda和粉丝们的关系就仅此而已了么？仅仅是住进巡演当地的粉丝家1-2天，和他们一直吃饭？
不，这只是一个开始，粉丝们会对她所做的一切都特别支持。这也是现在音乐产业的艺人们非常期望得到的。通过这样的一种纽带，他们希望粉丝们能够支持他们的专辑，购买并付费下载单曲等等，并且还能支持他们所追求的一切事情。比如，艺人代言的某款产品，粉丝们都会纷纷去购买；艺人代言了某个公司/品牌，粉丝们也会不顾一切的支持这个公司/品牌，不单单是这个公司售卖的某个产品或服务，延伸到任何非盈利性的公益活动及组织，粉丝们都乐意参加、积极贡献。
所有这些远远超出了用钱购买表现出支持的范畴。因此，艺人对于与粉丝们之间的关系也要看得更高更远: 他的正直、对于他自己来说他意味着什么、对于粉丝们来说他希望被看成怎样的形象，等等。只有这样，才能得到他期望得到的粉丝支持。
所以，大概10-15%的粉丝会是你的铁杆粉丝，竭尽全力地支持你做的所有事情。这些粉丝们更渴望一种独有的体验，不仅仅是购买你的CD唱片、到演出现场应援——他们是那种会花钱买票想跟你有近距离接触的拥簇者，他们才是会支持你事业并帮你提升到另一个高度的拥护者。
4.现场演出合同 Live Agreement
要记住，现场演出可能成为你的优质产品。当你达到一定水准，演出主办方会愿意为你的现场演出慷慨解囊。近来，演唱会市场非常火爆，特别是音乐节。如果你的乐队已经成熟，既拥有才华，又懂得运用魅力，就可以到 Lollapalooza、Bonaroo 这些音乐节上亮相，甚至是到西南偏南音乐节上表演。音乐节上做现场演出总是个能发展你音乐事业的好办法 。
现在，在现场演出领域也出现了不少新东西。在互联网上，有了 ConcertWindow 这个网站，一些场所可以播放表演， 用户可以通过订阅在特定场所观看大量表演 。还有个有意思的网站叫 StageIt，有了它，你可以在任何地方表演，然后向付费用户播放现场。
尽管在现场演出领域出现了很多创新，归根结底，表演时 （即使是在俱乐部表演），你需要有一份现场演出合同，这么重要的事你得记住 。当然，实际商谈现场演出合同的具体条款是你的演艺中介的职责，但如果没有演艺中介，你仍然需要一个现场演出的合同，所以理解大部分这种合同都有的基本条款很重要。
首先，现场演出合同要说明演出的日期和具体时间 。这个一定要说清楚。有些艺人一天之内会转场几次。他们可能从一个机构的午餐会表演结束后，再到一个晚宴表演，然后深夜再赶到一个夜总会演出。所以要求艺人实际到达的时间、演出的具体时间、表演场次都要说明。有些合约会要求你做四场50分钟的表演。这些都需要在合同里有体现。
当然，另一个关键内容就是费用。主办方如何支付你，支付其他艺人的费用？很多时候主办方会为艺人的演出支付固定酬金，有时这些固定酬金已经包含了艺人到达演出地点和住宿期间发生的所有费用。记住，除非另有约定，否则这些花销都从艺人的酬金里支出。随着艺人事业的发展，当艺人成了更大的腕儿时，有时可以跟主办方商量，让他们负担一部分花销，有时是交通费，有时是住宿费 。不过，酬金是很重要的。有时候，艺人不光能拿到一笔有保障的酬金，还可以从演出收益中分成，通常是谈好的一个百分数，可能是从演出收益中去掉场地租金、推广宣传费之后的数额的百分之八十五到九十。有时，演出公司会先拿掉一个百分数来保证他们的盈利，但有时候这85%到90%会比有保障的酬金多，所以艺人要么是拿有保障的酬金，要么是拿分成（如果分成高一些的话）。
还有一点对艺人来说也很重要。如果有演艺中介为你安排这些的话，通常在签订合同之时，可能是演出前几个月，演艺中介会收取酬金的一半作为定金。在这种情况下，演艺中介会把这笔钱存到一个专门账户里。还记得我说过，演艺中介是受到各州严格管理的吧，其中一项规定就是要求演艺中介开个托管账户。除非满足特定的条件，否则这些单独账户里的钱是不能动的。对于现场演出来说，这个特定条件就是艺人在约定好的时间完成演出。就是说，这些定金在实际演出前的几个月就到位了，存在演艺中介的托管账户里，然后一直保存到演出。艺人完成演出时，就会拿到酬金的另一半，多数以现金、保付支票的形式支付。只有在艺人对演出公司十分信任的特别情况下，艺人才会接受公司支票这种付款方式。但是艺人演出时拿到的通常都是后半部分酬金。等演出结束之后，演出经纪人会从托管账户里的钱中扣除他们自己的报酬，把余额付给艺人。
现场演出合同的另一重要内容就是艺人附加条款。这种附加条款并不常见。如果你只是新人，在夜总会演出，你签的合同可能也就一页纸，上面列明演出时间、地点、酬金和其它一些小型条款。但对于会在大礼堂里给可能有500到1000名观众演出的艺人来说，艺人附加条款就非常重要了。通常在这种情形，艺人不止要求酬金，还会做出其它要求，以保证最佳演出效果。这就是艺人附加条款存在的意义。附加条款的内容可能五花八门。艺人有时会要求化妆间的大小，或是特定的餐饮要求。通常艺人跑演出的时候，吃饭问题就在演出场地解决。特别是在一个地方只演出一晚的情况下，艺人通常会在下午三点左右抵达现场，下午晚些时候试音，中间就没时间回酒店吃饭了，只能在后台就餐补充营养。所以，艺人附加条款中有时会注明，艺人不吃猪肉，或者要求纯素食，有时还会要求特定类别或的酒水（比如香槟、烈酒或啤酒） 。有的艺人甚至会对化妆间的布置提出要求。几年前就有个新闻，一个很大牌的女明星要求把化妆间布置成纯白色。演出公司就为她在化妆间铺上白色地毯、在墙上挂上纯白色的帘子。出于某种原因，白色能让她进入演出需要的氛围。我还记得我的客户 Gerald Levert 在艺人附加条款里要求给他准备两大盆橡皮熊糖。Gerald 有时又被称作泰迪熊，所以他觉得这样做会让来后台看他的女粉丝们激动不已。所以，艺人附加条款内容可能会五花八门。艺人附加条款还可能列明艺人要求一定数量的赠票，拿来送给电台的人，或者粉丝，超级粉丝们。可见,艺人附加条款是现场演出合同中非常重要的内容，特别是对达到一定级别的艺人来说。对演出主办方来说呢，他们要意识到，不光要遵守现场演出合同的基本条款，还要满足艺人附加条款里所有的要求，而且这些要求可能会很特别的。
成名艺人的现场演出合同还有一种附加条款叫做技术附加条款，会列出艺人完成一场大秀需要的所有特定技术要求。附加条款中会列出演出所需设备的具体型号要求。有些成名乐队可能不带装备到现场。他们会在技术附加条款里列出能达到他们演出水准的装备型号，要什么样的扩音器、键盘、鼓、什么样的话筒，演出方要照此要求去租。技术附加条款中很多时候也会包括一个舞台布局图，标明乐队的装备和人员站位，局部是否有升降台，是否有特别的光效要求，聚光灯的数量和位置等等。这些内容都会包含在技术附加条款中。再说一遍，对演出主办方来说，不光要满足合同的基本要求，还必须要满足艺人附加条款和技术附加条款中的要求。
以上就是你需要了解的现场演出合同的全部内容了。然而，现场演出领域正在出现了一些很创新的东西，特别体现在演出大腕和现场演出公司之间的合同上。在过去几年里，有些超级巨星跟世界最大的演出公司之一 Live Nation 签下了数百万美元的大合约。2007年，麦当娜签了一个一亿两千万美元的合约；2008年，Jay-Z 签了个一亿五千万美元的。这些都是怎样的合约呢？很有意思，是360度全约。对，就是唱片公司一般会跟新人签的那种。那为什么一个专门做现场演出的公司会跟艺人签360度全约呢？在麦当娜和 Jay-Z 这两个案例上，Live Nation 说了， 我们想参与到麦当娜产业当中， 因为我们知道麦姐演唱会票房好， 每次世界巡演票都能卖光。Jay-Z 也是一样。 他们知道 Jay-Z 有忠实的粉丝群体， 由于 Jay-Z 如此强大的现场，使他们在其他领域的产品和服务也会招来观众和市场。比如，麦当娜在世界连锁的 H&M 店里有自己的服装品牌；Jay-Z 不止有唱片和表演事业，还有自己的唱片公司， 演出经纪公司， 还创办了一个运动经纪公司。所以，他称得上是个多面手。Live Nation 通过跟他们签约，想在他们所有的产业收入中分一杯羹。基本上，他们跟麦当娜和 Jay-Z 表示， 我们对你们有信心，也对你们的产业有信心。大家要认识到这是在现场演出领域中运用的新手段。那么，还在成长中的新人会和 Live Nation 或者其它演出公司签订这种合约吗？也许还不会，不过等你达到了那个水准就会有机会的。其他跟 Live Nation 签订这种360度全约的还有 Nickelback 乐队， 一个很了不起的唱现场的乐队，还有著名拉丁歌手 Shakira。所以，360度合约不仅在唱片产业领域使用，还会出现在现场演出领域，这一点值得注意。
5. 演出随行团队
一个多粉的艺人，在千人剧场演出的时候，一般都会有团队随行。他们助力艺人展现最佳演出状态，让我们来介绍这些小伙伴吧：
制作经理（Production Manager）——队伍里的关键人物，他们负责确保演出制作良好，让艺人在状态，一切井然有序，都要妥妥的。还要协调艺人的团队和当地的演出主办方工作人员，确保大家明白做些啥和何时做。此外，制作经理还负责管理和确保技术需求得以实现。
舞台总监（Stage Manager）——负责舞台上所有人和设备的活动／移动。有时候，他还要提示场馆工作人员移动场灯。
音响师（Sound Engineer）——举足轻重的人物，控制主调音台和观众区听到的声音，可以给整个演出呈现完全不同的效果。
Frankie Beverly and Maze，一支伟大的老牌R&B乐队（超过30年历史），他们的音乐蕴含复杂的低音和打击乐元素，让人们不由自主地跟着摆动，我把他们叫做黑人版的 Grateful Dead（感恩而死，著名美国乐队）。他们有一批非常忠实的拥趸，每次城里演出都会买票如约而至。曾经有一次，我和 Frankie Beverly and Maze 的音响师同坐在调音台前，着实感受到乐队声音的逆天！听着他的低音混音，你能感觉到整栋楼都在晃，低音鼓实在厚重带劲儿！那次经历让我对音响师有了全新的认识，他们可以把现场演出变得很出彩，简直是帮艺人吸铁粉的节奏。
监听工程师（Monitor Engineer）——也是艺人团队很重要的角色，他们负责监听艺人所听到的来自台前返送和耳返的声音——在音乐行业，监听耳机变得尤为重要。监听工程师通常站在舞台一侧，把艺人的举动尽收眼底。当艺人想要听到某些声音，或是听不清的时候，就会给监听师发出信号，要知道，艺人能听清该听清的声音对保证一场成功的演出来说是太重要了。
音响组（The Artist’s Sound Crew）——不可或缺的队伍，他们负责协调音响师和监听师的要求，确保艺人在台上和主调音台的有效声音，保障设备到位且在整个演出期间运转正常，以达到并保持好的音效。你可能看到过演唱会当中话筒突然没声了，这时有个人从台边窜出把话筒换掉，没错，那就是音响组的一员了。
灯光师（Lighting Operator）——负责控制调光台的人，在众多艺人的演出当中也发挥重要的作用，因为灯光会让演出大大不同。灯光师有时候也是灯光设计师，他们为特别的演出设计灯光，在每首歌或某个段落营造不同的氛围。他们的工作很重要，可以为一场好演出增光添彩。
灯光组（The Lighting Crew）——像音响组一样，是一个团队，来负责在演出进程当中恰如其分地维持灯光，有时候还会负责开关幕布，或是控制追光。
保障组（The Backline Crew）——也是一群熟手，技术员负责乐器和设备运行良好，他们要经过专业培训，可以判断吉他手要不要接一根新的线，或是功放是不是破了，以便想尽办法快速替换，保证演出持续进行。布景木工则是负责升降台，地板，可移动背景和道具等，时下许多艺人在布景和道具方面十分讲究，煞费苦心。布景组不仅负责安装和放置道具，也需要在演出过程中对道具进行维护和操作。
6. Local Personnel 本地工作人员
在不同城市间的行程里艺人们有他们的随行人员，当地演出承办者也有与其一起工作的随行人员。所以说音乐产业里其实是有很多机会的。这章我们主要讲当地演出承办者的人员部门。
就像艺人随行人员中的制作经理 (Production Manager)，所有当地演出承办者也有带着正规工作人员负责监督包括设备在内一切都符合要求的制作经理，以确保这场演出中艺人能够稳定发挥且能吸引观众。
接下来要讲的是一些会影响到演出地点是否在公会大厅 (Union Hall)的职位【译者注：此为美国特有情况】，承办方有很多工作人员必须遵守工会会规。
Loaders是一个非常重要的职位，是指从卡车往舞台边缘运载器械的人员，负责卡车上专业器械和乐器的装载和卸载。
美国运输工会 (The Teamsters)会给Loader 定时工作时长，会规经常为工会成员规定其工作类型，工作环境，工作时长和休假次数。并且其对于演出承办者开展经营有着很大的影响。
Stage hands 是指将设备和乐器从舞台边缘搬到舞台上放置好、负责装卸的职位。
他们不仅要遵照当地演出承办者的制作经理的命令，也要遵从艺人的制作经理的指挥。
Riggers 负责用链条电机将音响喇叭和照明器材安置到演出厅房梁上。这工作非常危险，需要有及其娴熟的技巧。
另外，你还要确保一切器械都已被安全的固定好以保证演出不会出现问题。
电工 (Electricians) 是指通常得到州内认证从而可以从业的电工人员，负责连接乐器和扬声器的电源线和演出场所的电力。
Runners, gofers则是指负责打杂的员工，衍生自”go for this,” “go for that”。上面让做什么就做什么，比如端咖啡，取某条电源线，拿某个设备。这些都是打杂的责任，听起来很卑微，有时也的确如此。但这可能成为你事业的一个不错的开端。就像娱乐业内经常会有的实习生，大多数时候所谓实习生做的也不过是类似的活。你要放下你的骄傲，这是个证明你自己价值的问题。即使打杂这个职位听起来不怎么重要，但其实真的很重要，因其是步入业界的入口。
演出承包者有时要多招些追光师 (Spotlight Operators)来扩充艺人的灯光团队。这些追光师只需要在演出时间段工作。
House light operators 负责在演出时控制场内舞台灯光或剧院里的暗光灯，需要听从艺人的舞台监督的指挥。听起来是个很简单的职位，但是很多情况下他们需要做出演出即将开始的提示，在演出开始，艺人准备好上舞台之前，舞台监督会提示house light operator把灯光调暗以便让观众会意是时候就座，演出即将开始。虽然这个职位听起来很简单，但是在一场好的演出中作用不可小觑。
节目承办方还有其他一些职位，比如检票员、引座员、售货员和安保人员。为了办成一场出色的演出，当地演出承办方需要从当地招很多不同职业的人员。如果你想在娱乐业内有立足之地，大多数情况下你要从低层做起，虽然职位不高但能帮你创造发展的机会。
7.Future of Music and Live Performance 未来的音乐和现场演出
这一节，教授就音乐产业的最新趋势，分别与Richard Blackstone和Mark Kates进行了访谈。
与Richard Blackstone的访谈
John Kellogg教授：你认为在当下这场从实体CD到流媒体的音乐产业变革中，有哪些趋势值得注意？
Richard Blackstone：首先，是从所有权（Ownership）向使用权的转换。就像你不一定拥有曼哈顿的房子但却可以居住其中一样，如今的消费者可以从网上获得想要的所有音乐，而并不拥有实体唱片，这种便捷的方式对于他们来说非常有吸引力。当然，仍然还有人喜欢有形的产品。从乐观的角度来说，我认为我们正迈向流媒体和黑胶唱片这两个极端。但从商业的角度来说，我并不看好基于实体以及基于数字音乐销售的公司。即使你用各种方法，包括捆绑销售或其它创新的营销模式来刺激销售量，但你也无法靠这种方法来推动公司的继续发展。这些大公司的业绩必定会下滑。我们（Bertelsmann Music Group，BMG）通过了解和满足艺人的需求来试图解决这个问题。我们希望贴近我们的艺人和他们的经纪人，使我们成为一个团队，并为之创造各种价值。BMG属于贝塔斯曼媒体集团。在它的旗下有全球最大的书籍出版公司Penguin Random House；在视觉艺术和文学艺术方面，有 FreMantleMedia 和 RadicalMedia；还有欧洲最大的电视网络公司 RTL（Radio Television Luxemburg）。我们在贝塔斯曼集团有相当多的资源可以为我们的艺人所用。我们坚信音乐是不可或缺的，所以我们会一如既往地提供最好的产品，在艺人和粉丝之间搭建桥梁，并为艺人设计最佳策略来发展他们的长期事业。如今是一个速食的时代，一切都是那么的迅速，但我们希望一个艺人的事业能够持续几十年。所以，我们必须同时考虑到长期和短期的问题。这是我们和我们的艺人都需要面对的挑战。
（译者注：BMG 创建于1987年，负责整合德国媒体巨头贝塔斯曼集团的音乐厂牌业务。2004年8月，BMG与索尼音乐合资组建 Sony BMG，当年占全球音乐市场份额的21.5%。2006年，贝塔斯曼集团以15亿美元的价格将手中50%的股份出售给索尼。从此，BMG并入索尼音乐，同时奠定了如今索尼、环球和华纳音乐三足鼎立的局面。）
与Mark Kates的访谈
John Kellogg教授：你觉得到2025年，音乐产业会是什么样子？
Mark Kates：首先，我很庆幸自己是最早开始通过唱片公司投资于音乐的人。直到最后一刻，我都难以置信。关于360度合约（全权协定）你懂得肯定比我多，但我不认为唱片公司会变成纯粹的营销工具。最近我们在和一个艺人讨论360度合约，初步的意向是达成了，但你要知道，唱片公司不是专职销售演出门票的并不代表它不能在资金上支持艺人更好的发展。实际上，对艺人来说，没有比花钱养你的唱片公司更愿意在录音上投钱的人了。所以，我认为，最终会产生一个混合的商业模式，也许将不再基于录音的销售量，但仍然能让原先的那些人受益。就像跨国公司那样，出版公司和唱片公司会结合在一起。在某种程度上，已经有公司在这么做了。出版公司参与到录音的业务中，这给那些没拿到唱片合约（Record Deal）的艺人提供了更多可能性。因此，我觉得整个音乐产业的那几家寡头会变化。我不认为环球音乐会继续一家独大，或者是那三家（环球、华纳和索尼）中的任何一家。说实话，我对于过去那些艺人在如今还这么火而感到吃惊。同时，一部分中上水平的乐队出乎意料地受到了主流音乐界的强烈关注。对于音乐来说很重要的一点就是，每个时代必须要有它的代表人物。而这几年的问题之一就是缺乏这样的领军人物。也许 Radiohead 算一个吧，但他总体还算另类摇滚（Alternative Rock），很难说 Radiohead 或其他什么人能在主流音乐领域达到过去那些红极一时的乐队的水平。我所在的公司已经取消了很多经典摇滚（Classic Rock），为了保护艺人的利益不受伤害，因为目前看来这些风格的商业潜力有限。我们决定这样做，却不清楚这是否有用。这几年，我渐渐认清了一些事实，像我这样的从业者，我们所属的公司互为竞争对手，但我们之于我们的公司来说，是可替代的。在上世纪80到90年代，当手机和互联网还未普及的时候，我们的收入主要依靠电台，那时的商业模式相当简单直接。
8. RECAP
这是第六课的总结。在这一课中，我们学到了现场演出是音乐产业中的关键部分。这也是我认为它不会消逝和我热爱音乐产业的原因。为什么我说人们需要拥有现场演出？因为观众需要得到那种在看到音乐表演的时候所产生的心灵间的触动。这对人们有非常积极的作用。
在这一课中，我们知道了如果你是个音乐人，或者你想做一个音乐人或表演者，首先你必须拥有那种无形的天赋，拥有让观众崇拜的舞台魅力。
但我们也说了，你不仅要拥有它，也要做好它。换句话说，就是尽可能在各个地方表演。现场演出艺术是从录音艺术的分支。在这一课中，我们知道了如果你能拥有和做好它，就能成功。当音乐人成功后，换句话说，他们带给观众充满活力和魅力的现场演出后，团队成员就需要协力合作来使现场演出的影响达到最大化，来为艺人建立一个忠实的乐迷基础。
在这一课中，我们也讨论了现场演出合约的要点，以及艺人随行成员和当地推广团队在一场成功表演中的作用。
接下来，我们要探索一些你可能在音乐产业中遇到的常见情景。
9. 课程总结
非常感谢选择音乐产业导论课程。
我希望大家享受了课程内容。
而我确实在整理课程内容并向大家讲授的过程中十分享受。
正如我在课程开头所说，
音乐产业在走过的120多年的道路上，已刻下了企业家精神、创新和技术的注脚。
我相信，大家都已趁此机会了解到了音乐产业的伟大历史，特别是上个世纪的唱片工业，并且意识到事实上历史总在不断循环往复。
那是个伟大的时代。
每当科技带动创新，这种受人瞩目的时代就会到来。
而我们现在就正处于这样的时代当中。
我们身处一个由物质世界向数字领域过渡的转折时期。
尽管唱片的价值在新的模式下不断消减，我依然得说，唱片，包括音频和视频，还是对音乐工业至关重要。
唱片依然是让一个歌手开始并发展事业，从众多途径获取收益的主要媒介。歌手的团队，包括团队经理、社交媒体协调人员、公关人员、演艺中介、背书人、赞助商，也都能从中获益。为了拓展生意，从业者甚至能利用唱片酝酿出科技创新。
唱片的持续价值让人们更加注重唱片合约和诸如版权的其他概念的重要性。
版权创造了一种财产利益，以此帮助你在音乐生涯中累计资产。
我认为，版权是音乐产业中最具价值的资产。
在课程中，大家学习了版权中的权利群。版权并不是一项单一权利，所有诸多收入来源的产生都是对这些权利进行开发利用的结果。
我谈到了如果通过注册你的版权来保护你的权利，也谈到了当有人侵犯你的版权时如何落实你的权利，还谈到了当有人起诉你侵权时如何保护自己。
你可能可以用合理使用概念进行辩护。
记住，这行不只是单打独斗，而是团队合作。
歌手不仅需要律师、演艺中介、经纪人、商务经理、巡演经理，
在现在的环境下，拓展一个歌手的事业还需要另外一些专业人才的帮助：社交媒体专家，app开发者，网站开发者，制作人，展馆经营者，混音工程师等等。
时刻记住你是在做生意。
如果你是在单独打拼，或者你连个公司名字都没有但仍在经营生意，还是你在家录歌，把作品放在网络流媒体上，你就已经在做生意了。
决定好你想在哪种企业实体下经营业务非常重要。
你必须考虑诸多因素：纳税影响，还有最为重要的，保护那些有价值的资产、版权、合同里的权利。
然后决定你想组建哪种类型的企业实体。
现场演出正成为大多数歌手越来越重要和主要的收入来源。
大家正是新时期音乐商业的弄潮儿。
我祝贺大家顺利完成课程，这意味着大家真的想要承担些许责任，无论你是音乐消费者还是音乐创作者。
行业人员，特别是音乐创作者变得积极主动十分重要。
大家记得我说过机械复制税率在1909年是0.02美元，此后从未改变，直到1976年创意团体游说国会才调整了税率。
我们身处一个由物质世界向数字领域过渡的转折时期，
所以曾经出现过的那些动态转变又正在重新上演。
如何保证创作者、唱片公司、发行商在新时期依然劳有所得？
大家投身进来真的非常重要。
加入像美国国家录音艺术与科学学会这类的组织，积极参与游说国会来保护唱片工业中的创意工作者。
“音乐未来联盟（FMC）”是另一个非常重要的组织，他们组织了许多活动旨在帮助建立起歌手群体的中产阶层，以便歌手们能以一种非常公平的方式获得使用他们作品所产生的收入。
表演版权组织和其他类型的组织也正在试图帮助推进创意工作者的事业。
所以我强烈建议大家积极投身和支持这些非常有价值的组织。
熟悉每天都在发生的最新行业变化。
阅读Billboard公告牌和其他行业出版物或期刊，比如由学生运作的伯克利音乐产业期刊，就能让你同步了解最新发生的变化。
最后，音乐是艺术和商业的结合。
让那些创作伟大音乐和传播音乐到全世界的人得到补偿是非常重要的。
同时我认为确保在音乐产业中培育可持续的事业有益于整个社会和全球的经济。
随着全新数字音乐时代的政策和实践将在未来几年逐步成型，大家的参与显得格外重要。
确保你的声音被关注到。
保持积极主动。
不断创作好的音乐。
（全课完）
网址：《音乐产业导论》第六课：演出产业 https://mxgxt.com/news/view/184240
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