剧目的碰撞与磨合——探析导演与演员之间的互动关系

近些年来，随着戏剧观念的拓展，网络的互通交流，戏剧形式的多样化，戏剧排演形式也在逐步改变。以往导演跟演员之间的“命令”跟“服从”的关系逐渐产生变化，导演对演员不再是摆弄似的使用。导演跟演员的关系更像是合作伙伴，亦师亦友的关系。需要互相尊重，导演要了解演员对角色的理解，人物关系的建立，而演员则要听取导演对剧目的宏观看法，消化吸收导演的想法，在碰撞和磨合下合作完成剧目的创作。

剧目的演出，需要多个部门在导演的统筹协调下完成。导演跟演员之间的合作是其中的关键要素，他们之间是相互供给，相互索取的互动关系。近些年，为了适应不断发展的影视话剧市场，戏剧影视表演专业正在不断改革求新，而本科教学指导老师跟影视话剧导演不同之处在于对象，学生跟专业演员不一样，他们更需要老师的指导跟讲解，需要动态转换导演和教师身份。

中国话剧导演，戏剧教育家朱端钧先生曾说过：“导演第一位的工作是帮助演员创造人物形象，我过去这样认为，现在还是这样认为。”所以，在排戏过程中导演和演员的合作关系，是戏剧排演过程中一个最基本、最主要的问题。近些年来，随着戏剧观念的拓展，网络的互通交流，戏剧形式的多样化，戏剧排演形式也在逐步改变。以往导演跟演员之间的“命令”跟“服从”的关系逐渐产生变化，导演对演员不再是摆弄似的使用。导演跟演员的关系更像是合作伙伴，是亦师亦友的关系，需要互相尊重。导演要了解演员对角色的理解，人物关系的建立，而演员则要听取导演对剧目的宏观看法，消化吸收导演的想法，在碰撞和磨合下合作完成剧目的创作。

一、导演的职能

戏剧作为一个综合性较强的艺术门类，导演在其中担任了举足轻重的作用。整个剧目的创作需要由剧作家的一次创作转化为剧目的二度创作，这其中需要导演运用到自身的文学修养、审美取向、思考判断、理解能力等方面进行创作。导演像是一个设计工程师，当他拿到剧本之后需要在脑海当中开始想象，开始思考自己的“戏剧宫殿设计图”。他将灯、服、道、效、化以及演员等多个部门一点一点加入到他的“戏剧宫殿设计图”当中，帮助他制作想象当中的剧目表演。他需要协调各部门之间紧密的合作，还需要站在一个宏观的角度进行整体筹谋。对于剧目本身来说，导演需要对剧作家创作的剧本内涵进行研究，对于剧目整体风格题材进行把握，对于演出效果的想象补充等方面进行工作，他需要比其他人更多地考虑整个剧目的艺术观赏性、思想性、经济收益和社会影响。

二、导演“给”什么

导演的工作不单是在想象里面“构思”，更重要的是落地“体现”。如果把导演当成“戏剧宫殿”的设计工程师，前面的设计就是导演“构思”，而在排练场上的排练则是“体现”。如何将“构思”变为“现实”，需要导演跟演员和各部门进行交流沟通，需要导演“给”。作为导演需要“给”演员什么？

在剧目开始排练前，导演应该自己先分析剧本，做到心中有影，眼中有景，脑中有框架。中国著名戏剧家焦菊隐先生认为：“我读剧本，不喜欢先找这个剧是悲剧，还是正剧，或是先找事件之类。我首先是把人物搞清楚，对剧中人物要进行阶段的分析，进行历史的，具体的分析，这对帮助演员，指导演员创作有好处。如何把贯穿动作和矛盾冲突安排好，都是从分析人物开始的。”由此可见，焦先生创造剧目的开端是从分析剧本开始的，当导演完成了剧本分析，有了框架之后，才有东西“给”到演员。这些东西就是导演阐述，其中包括规定情境、剧本结构、剧本主题、剧目节奏、体裁风格、人物关系等方面内容。

三、导演如何“给”

作为导演，如何将他的想法传递给演员呢？帮助演员从自我出发走向角色，创造真实的有机行动，达到演员和角色的统一呢？

首先要明确的是，导演的“给”是建立在跟演员有共识共鸣情况下给予的。也就是说导演跟演员需要在沟通前在自己心里建立起人物形象、人物思想、人物行动、人物关系和规定情境，并且进行理性分析，树立基本形态。但是演员的认识和导演的认识肯定会有不同理解，导演不能强加想法给演员，要有方式方法。演员本身不是导演的的创作材料，演员的创作才是导演的创作材料。只有当演员的创作成为导演的创作材料时，导演才可能对人物的形象塑造给予适当修改。这才是导演的作用。

每个导演的工作方式都不一样，各抒己见。朱端钧先生给出他的一个方法——从规定情景入手，然后是分析人物、人物关系、事件、情节、矛盾冲突、风格体裁和主体思想。朱端钧先生强调的方法是由外到内的一种传递方法。而斯坦尼体系的继承人玛丽亚·克涅别尔提出的另外一种帮助演员了解导演思维的方法——从人物行动入手，从演员自身出发，在剧本规定情境中进行自然反应，建立内心的真实感。在各种练习中发现演员和角色行为的共同点以及不同点，逐步建议修正，最终达到接近角色的目的。但在笔者看来，大师的方式适合于和专业演员长期磨合，互相了解有固定模式的情况下进行排练。而对学生这一类待成长的演员来说，他们自身也在摸索，最好的方法就是因材施教，对症下药。

每个演员都是独有的个体，演员创作作品是依靠三位一体来创造的，所以每个演员创造的角色都应该是独一无二的。导演面对不同条件的演员，应该“给”不同的东西。导演应该全方面地了解演员，知道其能力，因材施教，对症下药。特别是高校教师，面对的对象是学生，他们处于认识自我能力的一个阶段，需要老师注意方式方法，给予不同的态度，帮助学会建立演员自信和演员积极性，这个对于学生演员来说非常重要。

导演的“给”不是点燃炉灶的火源，而是燃烧殆尽时添加的那方木。演员在尽他所能之后，导演在此基础上的校正、修改、丰富、补充。

四、演员“要”什么

作为演员来说，自己是角色的创造者，自身又是创作工具，最后自身又是创作的作品。必须清楚地知道自身的条件，了解自己的长处及短板。前文提到，演员跟导演都需要在开始排练前分析剧本，导演的角度很宏观，演员分析剧本应该很客观。同时准备好几种创作方法，在进行交流时提出来探讨。

既然是互动关系，导演要“给”，那演员就该“要”，那要的是什么呢？不是创作的所有东西都源于导演，像喂食一样硬塞给演员。演员在分析完剧本之后有了自己的想法，但是跟剧目整体风格，节奏不相匹配或者不尽人意时，这个时候就需要向导演“要”东西。要的是导演对角色的看法，对剧目的理解，对人物关系的定义，对规定情境的构造等方面内容。

但演员的“要”和导演的“给”是相互刺激的，演员的自身创作想法激发了导演宏观创作思路时会刺激导演“给”出更广的思维空间。这其实就是导演的和演员的互动关系。

五、营造一个轻松的互动环境

本文前言提到，导演跟演员的关系更像是合作伙伴，是亦师亦友的关系。为什么推崇这种合作关系呢？那是因为在剧目创作过程中，光有导演的创作是不够的，导演固然起到一个领导、决定的作用。但团队创作需要协作完成，如果处理不好人际关系，不尊重他人的看法这部剧是很难最终呈现的。特别是对于演员来说，他是活生生的人，演的也是活生生的角色。如果在排练过程中，导演只是把演员当作一个机器看待，没有达到要求就开骂，这样的情况对演员来说是伤自尊的，在接下来的排练无论如何都会带有负面情绪，这对于角色创造是致命的。

笔者在排练过程中摸索，一个轻松的环境是有益于演员自身创造的。导演不需要在排练场一开始就指出正不正确，或许你认为的这一点不合适，在后面可以被演员以自己的理解解释清楚。做一个专注于看的导演，在排练前期避免过多的给演员灌输过于主观的表演方式，给演员足够的空间进行创作。

这种方式在片段教学运用很多，因为片段时间不长，整体看完后，很多意见或者看法都还能够记住，可以在观看完整的排练版本之后再提出导演的意见。这样的做法在教学阶段有以下几点好处。

首先，打破学生对老师的固有的紧张情绪，让他们更放松地完成演出，沉浸在角色创造中，避免中断表演。

其次，很多时候学生面对老师的排练版本是他们最连贯、最完整的一次演出。而且学生的内心支撑、信念感不够，进入角色需要时间铺垫，往往演到剧目后半段才会入戏，如果老师一味地打断学生，指出问题，这样会造成无法连贯的情况，学生迟迟尝不到进入角色的“甜头”。

再然后，无论是学生还是专业演员，他们对于角色有自己的理解，可以尝试观看完整的演出之后提出问题。或许他某一点和导演想要的创作手法不尽相同，但是经过后面的剧情推动也说得过去甚至会更好。导演的工作更多的是启发而不是替代演员，要给演员足够的空间去进行创作，这样才能达到演员跟导演的互动，相互提供丰富良好的素材，推动和深化剧目的创作。

综上所述，导演和演员是处于一个互动关系的。导演“给”，演员“要”，但同时演员也给予导演创作的灵感。无论是在教学过程中还是在实际剧组排演过程中，导演固然是领导者，但相互的尊重是必要的，不应以某一个人的想法为唯一准则，而是以戏剧呈现的优良为评判标准。正是因为这种互动关系的存在，才会积极地推动剧目朝着良好的方向发展。

王宇偲，四川大学艺术学院艺术学专业，表演理论与实践研究方向硕士研究生。其创作的戏剧作品曾多次获得戏剧类国家级、省级最佳作品。

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